Neulich frühstückte ich, als ich glaubte, Lin-Manuel Mirandas Gesicht in meinem Toast zu sehen. Die funkelnden Augen, die Adlernase, der typische Ziegenbart, der mit Brot- und Butterstückchen umrandet ist.
Es überraschte mich nicht, da ich in der Nacht zuvor von dem überlebensgroßen Komponisten geträumt hatte. In meinem Traum zeigte er mir sein neuestes Projekt: einen Vergnügungspark, der zu Ehren von Mirandas Mega-Hit-Musical „Hamilton“ gebaut wurde. Der Park mit dem Namen „Hamilton Land“ bot unverschämt teure Hotelzimmer im Stil des Unabhängigkeitskriegs, singende Angestellte in kolonialen Kostümen und Wachsfiguren der Gründerväter.
Ich bin Kunst- und Kulturautorin Jessica Gelt, und die fast vollständige Vorherrschaft dieses Musical-Theater-Superstars in der Popkultur beschäftigt mich dank meiner Töchter, 5 und 13, die nie aufhören, über ihn zu reden.
Sie sind nicht allein. Miranda ist überall, wo man hinschaut (sogar in Toast). Ende letzter Woche hat Mikael Wood, Popmusikkritiker der Times, die generationsübergreifende Anziehungskraft des 42-jährigen Superstars durch eine Untersuchung seines erstaunlichen Songwritings und seines allgegenwärtigen Unterhaltungsprofils aufgeschlüsselt, zu dem auch die Beteiligung an vier Filmen gehört, die letztes Jahr veröffentlicht wurden, sowie Anstoßen Adele vom ersten Platz der Billboard 200-Charts mit seinem Soundtrack für den Disney-Animationshit „Encanto“.
Dann ist da noch die Breakout-Single aus diesem Soundtrack, „We Don’t Talk About Bruno“, die den TikTok-Feed meiner Achtklässlerin monopolisiert und zu jeder Tages- und Nachtzeit von beiden Mädchen in meinem Haus herumgesungen wird, bis ich mich hinhocke eine Ecke im Esszimmer mit meinen Händen über meinen Ohren und flehte sie an, bitte aufzuhören.
Am Donnerstag veröffentlichte The Times eine weitere Geschichte über Miranda. Dieser von Michael Ordoña zeigte ihn im Gespräch mit dem Schauspieler Andrew Garfield, der in Mirandas Studio-Regiedebüt „Tick, Tick … Boom!“ mitspielte. Garfield ist dank seines schelmischen Grinsens, seiner fabelhaften Haube und seiner Milchschokoladenaugen sowie seines „Spider-Man“-Ruhms ein weiterer Favorit meiner Töchter, und das Erscheinen der beiden Darsteller, die zusammen auf entzückenden Fotos herumtollen, brach Familienherzen und Gedanken.
Meine 13-Jährige hat gerade eine Einheit in der Schule über dystopische Literatur und Themen abgeschlossen und wurde beauftragt, ihre eigene dystopische Kurzgeschichte zu schreiben. Ihre Hauptfigur heißt Lin-Manuel Miranda und er lebt in einer Stadt namens Madison, die von einem obersten Herrscher namens Daveed Diggs kontrolliert wird.
Warum hat sie Diggs als Teil ihrer Geschichte ausgewählt? Denn der Schauspieler spielt Thomas Jefferson in der Version von „Hamilton“ mit Miranda in der Hauptrolle, die derzeit (nonstop bei mir zu Hause) auf Disney+ gestreamt wird.
Das Kind bat sogar um ein Thomas-Jefferson-Outfit, das es zur Schule tragen sollte, wo sie derzeit mit Arbeitsblättern zum Thema „Hamilton“ über die Gründung Amerikas unterrichtet wird, darunter eines mit dem Titel „Hamilton Song Analysis“, das Texte aus der Show enthält, die sein können ausgegraben, um Wahrheiten über die Geschichte zu enthüllen.
Miranda ist wirklich überall. In unseren Schulen, in unseren Playlists, in unseren Newsfeeds, auf unseren Bildschirmen, in unseren Träumen. Und ja, sogar in unserem Toast.
Kunstbericht
Nancy Buchanan und Barbara T. Smiths Videoarbeit „With Love From A to B“ (1976).
(Waffenkammerzentrum für die Künste)
Die gemeinnützige Organisation United States Artists aus Chicago hat ihre Stipendiaten für 2022 bekannt gegeben, von denen sechs aus der Gegend von Los Angeles stammen, schreibt Deborah Vankin. Die mit jeweils 50.000 US-Dollar dotierten Preise würdigen kreative Arbeiten in 10 Disziplinen: Architektur und Design, Handwerk, Tanz, Film, Medien, Musik, Theater und Performance, traditionelle Kunst, bildende Kunst und Schreiben. In diesem Jahr wurden 63 Stipendiaten benannt – die bisher größte Klasse.
Die lokalen Preisträger, schreibt Vankin, sind Maestro und Sonero César Castro „Jarochelo“ aus LA; Textilkünstlerin Melissa Cody aus Long Beach; der multidisziplinäre Künstler Sharif Farrag aus LA; Regisseur und Künstler Lars America Jan (auch Lars Jan genannt) aus LA; Dichter Leroy F. Moore Jr. aus LA; und Musiker und Komponist Jeff Parker aus Altadena.
Vankins Geschichte enthält auch folgendes über die Ziele des 16-jährigen USA-Programms: „Die diesjährige Klasse von Stipendiaten repräsentiert ‚ein wachsendes Engagement, um unterrepräsentierte Stimmen zu erheben und zu verstärken’, sagte die Organisation. Zwanzig Prozent der Preisträger sind einheimische und indigene Künstler und 17 Prozent sind Menschen mit Behinderungen – die größte Zahl beider Gruppen in der 16-jährigen Geschichte der gemeinnützigen Organisation. Die meisten Preisträger in der Kategorie Architektur und Design identifizieren sich als Farbige.“
Die Künstler Nancy Buchanan, Marcia Hafif und Barbara T. Smith sind Gegenstand einer neuen Umfrage im Armory Center for the Arts, „wie wir in Zeit und Raum sind“. Vankin traf sich mit Buchanan und Smith zu einem faszinierenden Q&A, das die wegweisenden Künstler dazu bringt, über ihre frühen Tage der Freundschaft in den späten 1960er und frühen 70er Jahren zu sprechen, als sie „geschiedene, alleinerziehende Mütter waren, die sich den Geschlechtererwartungen widersetzten, während sie Karrieren in der Kunst verfolgten“.
Eine Ausstellung von Yui Yaegashis Gemälden mit dem Titel „Purple, Black, Fog“, die bis zum 5. Februar im Parrasch Heijnen zu sehen ist, wird von der Kunstkritikerin Christina Catherine Martinez untersucht, die darüber schreibt, was Yaegashis Arbeiten unverwechselbar macht: „Das sind stille Gemälde. Alle auf Augenhöhe eingestellt und, absichtlich oder nicht, auf etwa die Größe eines Smartphones oder Tablets skaliert; privilegierte Sehweisen des Tages. Sie haben eine meditative Präsenz, die zu einer vagen, kalifornischen Aufforderung zur Achtsamkeit passt, aber sie sind anders als alle anderen Gemälde, die ich in LA sehe.“
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Auf der Bühne und im Feld
Layton Williams, links, Shobna Gulati und Melissa Jacques in „Alle reden über Jamie“ im Ahmanson Theatre.
(Jason Armond / Los Angeles Times)
Nachdem die Center Theatre Group aufgrund von pandemiebedingten Schließungen fast zwei Jahre im Dunkeln verbracht hatte, kehrte sie Anfang Dezember mit „A Christmas Carol“ zu Live-Auftritten zurück, nur um zwei Wochen später wegen bahnbrechender COVID-19-Infektionen in der Besetzung zu schließen. In einer Demonstration bemerkenswerter Belastbarkeit drängte das Ahmanson nach vorne und eröffnete nur einen Monat später die nächste Show in seiner Staffel, „Everybody’s Talking About Jamie“.
Der Theaterkritiker der Times, Charles McNulty, besuchte die Aufführung am Eröffnungsabend, widmete den ersten Teil seiner Rezension jedoch der Frage nach „den gesellschaftlichen Auswirkungen des Theaterbesuchs in einem viralen Hurrikan“. McNulty sagte, dass er sich angesichts des Höhepunkts des Virus und der Überlastung der Krankenhäuser wünschte, dass Organisationen für darstellende Künste nur eine Weile auf die Pause-Taste gedrückt hätten und darauf gewartet hätten, dass der Sturm nachlässt.
Trotzdem fand er die Show, die aus dem Londoner West End an die Westküste kam, charmant und herzlich und wünschte, sie wäre zu einem günstigeren Zeitpunkt in der Stadt gelandet.
„Das geniale Musical trägt sein Herz auf der Zunge, und obwohl es formelhaft und sentimental ist, ist der Kraft des guten Willens, die von der Bühne ausgeht, schwer zu widerstehen“, schrieb McNulty.
Margaret Grey richtete ihre Aufmerksamkeit auf Orange County, wo das South Coast Repertory „Last Stop on Market Street“ inszeniert, das erste Theater für junges Publikum, das seit zwei Jahren vor Ort stattfindet.
Die Produktion „des Hip-Hop- und Motown-durchdrungenen Musicals, das aus einem Bilderbuch, das 2015 mit der Newbery-Medaille ausgezeichnet wurde, für die Bühne adaptiert wurde, spielt in Santa Ana“, schreibt Gray, der Regisseur Oanh Nguyen dazu befragte, wie sie das Set aufgebaut haben auf einem echten Haus in dieser Stadt.
The Weeknd tritt während der Halbzeitshow des Super Bowl 2021 in Tampa, Florida auf.
(Ashley Landis / Assoziierte Presse)
Ich tauchte kürzlich in eine Kontroverse in der Tanzwelt ein, als ich über die Behandlung von Tänzern und anderen schrieb, die während der Super Bowl-Halbzeitshow bis zu 72 Stunden als Freiwillige in der „Feldbesetzung“ arbeiteten. Die Tanzaktivistin Taja Riley machte die düstere Situation mit einem Instagram-Post sichtbar, nachdem sie darauf aufmerksam wurde, dass eine professionelle Tanzagentur, Bloc LA, einen Aufruf gestartet hatte, um ihren Kunden die Möglichkeit zu bieten.
Die Halbzeit-Choreografin Fatima Robinson sagte der Times in einem Interview, dass der einzige Grund, warum der Anruf über Bloc ging, darin bestand, dass sie eine Bloc-Kundin ist. Die Agentur, sagte sie, versuche herauszufinden, ob Kunden Leute kennen, die sich freiwillig melden möchten.
Robinson und ein Casting-Manager, der mit Roc Nation, dem Executive Producer der Halbzeitshow, zusammenarbeitet, sagten, dass professionelle Tänzer nicht rekrutiert würden, um kostenlos zu arbeiten, und dass die Show 115 bezahlte professionelle Tänzer über offizielle Wege eingestellt habe.
Riley behauptete, dass alle Arbeiter – ob Tänzer oder nicht – dafür bezahlt werden sollten, einen Mehrwert für eines der größten kommerziellen Sportereignisse des Jahres zu schaffen.
Für eine nachfolgende Geschichte habe ich einen professionellen Tänzer interviewt, der sagte, er habe letztes Jahr umsonst in der Halbzeitshow des Super Bowl mit The Weeknd gearbeitet. Er sagte, er habe erst gemerkt, als er tief in die Produktion involviert war, dass er Seite an Seite mit Tänzern arbeitete, die bezahlt wurden. Meine Quelle sagte, die Grenzen zwischen bezahlten und unbezahlten Tänzern scheinen von den Organisatoren absichtlich verwischt worden zu sein.
SAG-AFTRA mischte sich ein und sagte, dass es sich mit den Produzenten der Halbzeitshow getroffen habe und vereinbart worden sei, dass keine professionellen Tänzer für die Show rekrutiert würden. Die Zahlungsaufforderung von Aktivisten bleibt jedoch unbeantwortet.
Designzeit
Die Küche in einem ADU, der aus einer Garage in West LA umgebaut wurde
(Kay Mashiach)
Lisa Boone erklärt, wie aus einer freistehenden Garage in West LA ein elegantes ADU wurde.
„Justin Nasatir und Mara Grobins Nasatir kauften 2017 ein 1.200 Quadratfuß großes Haus in West Los Angeles mit dem Ziel, die freistehende Garage für zwei Autos in eine einkommensgenerierende Immobilie umzuwandeln“, bemerkt Boone, bevor er detailliert beschreibt, wie das gemacht wurde .
Das Innere der 600 Quadratmeter großen Stuckstruktur wurde in drei Wohnbereiche unterteilt – ein Schlafzimmer, ein Badezimmer und eine offene Küche und ein Wohnzimmer, „wodurch ein Wohnbereich geschaffen wird, der durch eine neue Reihe von zweiflügeligen Türen mit dem Innenhof verbunden ist“.
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Wesentliche Ereignisse
Björk tritt 2019 während ihrer Cornucopia-Tour in New York City auf.
(James Philipp)
Auflistungskoordinator Matt Cooper lässt uns nie im Stich, und er ist diese Woche mit all den Kunstereignissen zurück, die er für den Druck geeignet findet. Ein Highlight? Der isländische Sänger Björk wird im Shrine Auditorium in einem „höchst theatralischen, multimedialen Konzertspektakel“ auftreten.
Weitere Angebote umfassen Les Ballets Trockadero de Monte Carlo in New York in Long Beach, „Tchaikovskys Violinkonzert“ im Segerstrom Center und die Queen’s Cartoonists, ein Ensemble, das Jazz und klassische Favoriten aufführt, „um Vorführungen klassischer und zeitgenössischer animierter Kurzfilme aus der ganzen Welt zu begleiten .“
Zuguterletzt …
Diese Tik Tok-Tänzer haben die Moves. „Wir reden nicht über Bruno, nein, nein, nein.“
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